"Nuit Blanche" de Arev Manoukian

"Nuit Blanche" es un corto dirigido por Arev Manoukian, de 4:40 minutos, del año 2009.  Protagonizado por Megan Lindley y Michael Coughlan

Sinopsis: Un momento fugaz entre dos desconocidos que revela su breve conexión en una fantasía hiperreal.  Es un corto inclasificable. Según su propio autor es una fantasía hiperrealista, pero ambientado al más puro estilo de cine mudo. Una especie de corto al estilo clásico pero rodado de una forma que sólo su making of puede revelar (Publicado por: Santi Planet).

“Nuit Blanche” fue premiado en el LG Life's Good FilmFest, entre otros premios internacionales.

"Pero lo verdaderamente mágico es que la música y el slowmo (cámara lenta) se integran muy bien y la historia tiene un ending autoparódico que parece alejarnos del universo que puede vender cierta cosmovision propia del discurso de la publicidad más sosa y barata. Es como si se nos mostrara que el amor todo lo puede para después borrar la posibilidad misma del sentimiento en una posmodernidad urbana, acelerada y utilitaria.

La música original es sensacional, como una voz en off que nos relata la historia, también la fotografía que es espectacular. Y si bien en algunos momentos, a mi juicio, se revela cierto excesos de lo digital, es una hermosa historia contada sin palabras, en blanco y negro y que mágicamente potencia nuestra sentidos. 

Material difundido gracias a: http://cortometrajesonline.com

Bansky en movimiento

La gente de ABVH realizó esta serie de gifs animando el arte callejero de Bansky y llegan a mí gracias a Mas que dibujitos

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Una revolución pictórica: el impresionismo

El 15 de abril de 1874 abría sus puertas en París una exposición de cuadros pertenecientes a varios pintores que se conocían entre sí y a quienes unía el hecho de no gustarles la pintura oficial que entonces se desarrollaba en Francia. Este grupo de Batignolles, así llamado porque el café en el que se reunían se encontraba en dicha calle, llegó incluso a fundar una sociedad cooperativa desde la cual, entre otras cosas, la defensa de sus propias posiciones e ideas en el campo de la pintura y la organización de una exposición de sus obras, rechazadas en los ambientes oficiales.

...en la exposición participaron 39 artistas y la crítica fue con ellos demoledora, siendo las ventas casi inexistentes. Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Morisot, Camile Pisarro, Alfred Sisley o Pierre Auguste Renoir fueron algunos de los autores que comenzaron a recibir el nombre de impresionistas, en tono despectivo, precisamente por un cuadro de Monet que figuraba en la muestra, "Impresión: sol naciente". A este primer "Salón de los impresionistas" siguieron otros dos, en 1877 y 1879, mientras la crítica se mantenía firme en sus posiciones. El grupo acabaría disolviéndose y sus miembros seguirían caminos diferentes, aunque los más destacados concluyeron alcanzando el favor de la crítica y el del público.

Pero, ¿qué es lo que planteaban los impresionistas que les hizo ser tan criticados y, más tarde, tan admirados? 

Estamos en presencia de una curiosa revolución pictórica. Curiosa porque la pintura impresionista sigue siendo realista; revolucionaria porque plantea toda una nueva forma de concebir el objetivo de la pintura. Para estos artistas, lo importante es la luz, algo tan etéreo que venía atrayendo la atención de los mejores pintores desde la Edad Media. Pintar la luz y cómo ésta se refleja en los objetos es el máximo interés de los impresionistas. Por tanto, lo que se pinta es, por definición fugaz, porque la luz natural cambia constantemente. Para ello se recurre, aunque no siempre, al empleo de colores puros, confiando en que sea el ojo del espectador el que los mezcle, aplicando así la teoría de los colores recientemente planteada.

La luz obliga a los impresionistas a salir a la calle, al campo, al mar, a pintar al aire libre (plenairismo), abandonando el estudio. Por eso en un catálogo general de estos artistas predominaría de forma absoluta el paisajismo. Habitualmente emplean una pincelada suelta y gruesa, con colores aplicados tal cual salen del bote de pintura, y rehuyen los claroscuros. Y como les interesa la fugacidad de las cosas, a veces las pintan varias veces (serialismo) para dejarnos una crónica de cómo la luz va cambiándolas constantemente.

Fue así como en una sociedad en la que ya se estaba desarrollando la fotografía los impresionistas abrieron nuevos caminos a la pintura y demostraron que la posibilidad de innovación en arte es casi infinita. Para ellos, el color, cada color, no era más que una modalidad de la luz. Y con estos planteamientos iluminaron el ambiente de una ciudad, París, que alcanzaba ya su primacía absoluta en el mundo del arte contemporáneo. Hacia 1880 el grupo de los impresionistas estaba ya prácticamente disuelto y algunos de sus miembros enfrentados entre sí. Pero el trabajo estaba hecho."

Texto de: http://aprendersociales.blogspot.com/

Presentaciones sobre Impresionismo

Hermosa presentación elaborada por Juan Diego Caballero: "Una trama conceptual sobre las características del impresionismo y sus principales representantes, un esquema sobre la teoría del color y un repaso a algunas de las mejores obras de estos artistas son los contenidos de esta presentación." 

EL IMPRESIONISMO from JUAN DIEGO
Fuente: http://aprendersociales.blogspot.com

  IMPRESIONISMO. CARACTERÍSTICAS TEMÁTICAS Y TÉCNICAS by   Alfredo

América, América

“¡Disneylandia sí que es auténtica! ¡El cine, la tele, eso sí que es real! Las freeways, las safeways, las skylines, la velocidad, los desiertos, eso, eso es América, y no los museos, las iglesias, la cultura... Sintamos por este país la admiración que merece y volvamos la mirada hacia la ridiculez de nuestras costumbres. Ahí radica la ganancia y el atractivo de los viajes. Para ver y sentir América, es preciso haber sentido por lo menos un instante la jungla de un downtown, el Painted Desert o la curva de una freeway, que en Europa había desaparecido. Es necesario haberse preguntado, al menos un instante: ¿Cómo se puede ser europeo?”. Jean Baudrillard, América (1986).

Desde su conversión en potencia hegemónica indiscutible a partir de la Segunda Guerra Mundial, el modelo de vida y la producción cultural de los Estados Unidos han sido objeto intermitente tanto de una gran fascinación como de un profundo rechazo entre los diferentes estratos de la intelectualidad occidental.

A finales del siglo XIX y, en buena medida, por la difusión realizada por las nuevas revistas ilustradas, los europeos recibieron con gran expectación la transformación experimentada por las ciudades de Chicago y Nueva York gracias a su moderna planificación urbana, pero sobretodo a la construcción de sus colosales rascacielos de acero y a sus extraordinarias obras de ingeniería. Estas nuevas metrópolis, y más en concreto, sus aglomeraciones humanas, puentes y rascacielos, fueron el primer eslabón en la construcción de una auténtica y novedosa iconografía cuyo componente heroico y utópico iba a fertilizar las reflexiones de una buena parte de la vanguardia artística europea durante todo el siglo XX. Escritores, periodistas, arquitectos y artistas de todos los tiempos y rincones de Europa (como Mayakovski, Adolf Loos, Francis Picabia, Richard Neutra, Mario Bucovich o Robert Frank, por citar unos pocos) emprendieron sus respectivos viajes iniciáticos a los Estados Unidos en busca de su particular confrontación con el mito.

Durante el periodo de entreguerras el magazín o semanario ilustrado experimentó un auge espectacular en Alemania, la URSS, Francia y los Estados Unidos. Junto con la radio y la prensa diaria, estos semanarios se convirtieron en uno de los medios principales de divulgación de noticias, reportajes temáticos y, no menos importante, inserción publicitaria destinada a las clases medias. A través de estos magazines (en los que a menudo participaron grandes fotógrafos y artistas de las vanguardias) circularon entre los europeos los grandes inventos que dieron progresivamente forma al sueño americano y su estética de la abundancia: sus cadenas de montaje, sus monumentales edificios, sus automóviles Ford, sus tractores y segadoras, sus apartamentos luminosos y aireados, sus electrodomésticos. Incluso la misma noción de confort.

La revista americana Life, el magazín más leído e influyente del mundo, se convertiría –junto con las películas de Hollywood– en una de las mejores cartas de presentación de la utopía americana hasta la popularización de la televisión a finales de los años cincuenta del siglo XX.

Al final de esta década surge en Inglaterra una nueva generación de artistas y arquitectos aglutinados en torno a The Independent Group (asociación en la que ocuparía un lugar destacado Richard Hamilton) que reaccionaría contra la elitista cultura académica de su país reivindicando la innovación, la estética y los logros de la cultura popular norteamericana armonizando grandes dosis de admiración, pero también de refinada ironía. Quedaban establecidas así las bases del Arte Pop y su compleja relación con el mito.

La controversia en torno al modelo de vida americano fue un fenómeno que transcurrió en paralelo al propio proceso de construcción de su poderosa iconografía, y tuvo lugar a ambos lados del Atlántico. A principios del siglo XX, Lewis Hine denunció con sus trabajos fotográficos el extendido uso del trabajo infantil en las factorías americanas. El escritor Upton Sinclair se convirtió en una de las voces más críticas del sistema capitalista americano a través de sus novelas y escritos. Walker Evans retrataría la desolación y la miseria producida en su país por el crack bursátil de 1929. Y el cine negro americano fue el contrapunto áspero de la visión resplandeciente difundida por el star system hollywoodiense.

En Europa los principales grupos de repulsa al mito americano provenían de las filas artísticas e intelectuales afines a la izquierda revolucionaria. En 1925, el poeta futurista Vladimir Mayakovski viajó a los Estados Unidos y relató en su libro América su mezcla de admiración, pero también su profunda repulsa hacia las diferencias sociales de ese país. En los años treinta, el artista John Heartfield (que diseñaría varias de las cubiertas de los libros de Upton Sinclair) mostraría con sus fotomontajes una visión grotesca y degradante del modelo de vida americano. Muy influenciado por la obra de este artista alemán, el valenciano Josep Renau realizaría con su serie de fotomontajes The American way of life uno de los esfuerzos artísticos más comprometidos con la deconstrucción sistemática del sueño americano.

Material obtenido gracias a la exposición de la Generalitat Valenciana, donde se plantea como "un recorrido fascinante por los signos que han venido conformando la poderosa mitología visual" del país norteamericano. La muestra, añaden, "revisa las iconografías a través de las cuales se ha ido construyendo el mito del sueño americano, así como la visión de sus promotores en el terreno de las artes plásticas y la reflexión de sus influyentes detractores".

Fuente: http://www.ivam.es

Nota de Prensa

Catálogo Online

El Institut Valenciá d'Art Moderne inaugura la muestra temática "América, America".

Pintura Romántica y Realista

Presentación elaborada por Juan Diego Caballero sobre algunas de las características de la pintura en el 
siglo XIX.
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PINTURA ROMANTICA Y REALISTA from JUAN DIEGO

Del Neoclasicismo al Realismo (Pintura)

La pintura que se desarrolla entre 1750 y 1880 enlaza el arte barroco con el contemporáneo. Las tres grandes corrientes de este período son el neoclasicismo, el romanticismo y el realismo; en ella la pintura forma parte del movimiento cultural.

En España, la figura de Goya se destaca sobre las demás ya que en sus obras recoge las distintas corrientes artísticas del paso del siglo XVIII al XIX y con su lenguaje pictórico tan personal avanza a nuevas vías de expresión.

El papel de arte y del artista ante la realidad, su deseo de modificarla  de evadirse de ella o de reflejarla como es, son asuntos centrales en esta etapa. Los distintos movimientos exploran el lenguaje formal, en un proceso donde cada corriente no tiene propuesta cerrada y los estilos pictóricos se entrecruzan, dando lugar a multitud de fórmulas.  

Contexto Social

El período estudiado abarca desde mediado del siglo XVIII hasta el último tercio del siglo XIX, en este tiempo la sociedad se transforma radicalmente, pasando de la sociedad agraria y estamental a una sociedad urbana, burguesa e industrial, en la que el liberalismo y el nacionalismo son las ideologías dominantes. Es también un período de convulsión y de propuestas revolucionarias y sus anhelos de transformar el orden establecido, tendrá un importancias creciente.

El mercado del arte

En el siglo XVIII surgen las academias, que controlan la formación de los artistas y organizan los salones, exposiciones públicas en las que se fijan los criterios artísticos oficiales y se mantiene la jerarquía de los géneros pictóricos. Los salones y los museos, creados por la Ilustración, acercan el arte al público y favorecen el desarrollo de la crítica. Se desarrolla así el mercado del arte, en el que el artista es independiente, su obra es valorada por la crítica y comprada por un público en su mayoría burgués. También serán clientes el Estado y las instituciones gubernamentales. 

Dos ejemplos para analizar:

Neoclasicismo

La teoría neoclasicista, en su búsqueda por  un arte universal y eterno, valora el dibujo como elemento esencial. Propone composiciones claras y reposadas, contención en la expresión, y una finalidad educativa y moralizante. En la práctica este programa sólo se llevó a cabo en algunas ocasiones.

El carácter moralizante del neoclasicismo se refleja en los temas seleccionados: héroes de la antigüedad que representan valores como el patriotismo, la abnegación o dignidad. 

El lenguaje formal es sobrio, con predominio de la línea sobre el color y desconfianza hacia  las texturas y los efectos de la luz. Se busca la claridad, y concentrar la atención en lo esencial, eliminando grandes decoraciones. El objetivo es conmover al espectador y despertar en él virtudes morales.

Jacques-Louis David 

David es una de las figuras claves de este período, encarna la figura del artista comprometido políticamente, participó activamente en la Revolución Francesa y concibió el arte como un elemento transformador de la realidad y de trasmitir valores. Una de sus obras claves fue "Marat asesinado" (1793)

Análisis de la obra

La Pintura Romántica

El romanticismo no es un estilo pictórico, sino un movimiento cultural. Se inicia en el siglo XVIII y alcanza su plenitud en la primera década del siglo XIX. 

La sensibilidad romántica subraya lo individual y subjetivo, valora la emoción, los sentimientos y la capacidad expresiva y rechaza el sometimiento a las normas. Los románticos creen en la idea del artista como un genio solitario, incomprendido y creador de obras que solo algunos pueden entender. Abundan temas como la locura, la muerte, los sueños, etc. 

Frente a la propuesta universal del neoclasicismo, los románticos prefieren lo distinto y pintoresco. 

Durante el romanticismo aumenta el interés por la naturaleza y eso se refleja en la pintura de paisajes, un genero considerado secundario por el academicismo. Los artistas románticos hallan en los fenómenos naturales (tormentas, aludes en enormes montañas...) la expresión y el reflejo de sus propios sentimientos. En algunos paisajes aparecen ruinas medievales, símbolo de la nostalgia por el pasado. Hay también paisajes tranquilos de naturaleza armónica. Para muchos pintores se valora el mundo rural, en oposición a la sociedad industrial. En Inglaterra y Alemania se desarrollan las dos principales escuelas del paisajismo romántico.

Caspar D. Friedrich

Es el más valorado de los paisajistas alemanes. Sostenía que "un pintor no debe pintar lo que ve ante sí, sino también lo que ve en el interior de sí mismo". En sus paisajes se reflejan su concepción simbólica y mística de la naturaleza, aunando una visión religiosa con lo sublime.

Este efecto se alcanza con contrastes entre el primer plano y el horizonte. En la siguiente obra "El caminante frente al mar" (1818), la figura solitaria de perfil muy definidos, contrasta entre el abismo y la inmensidad del espacio, creando una imagen muy misteriosa típicas de sus obras.

Responde las siguientes consignas:

1- Realiza una lista sobre las principales características de Neoclasicismo.

2- ¿Qué características, de las mencionadas anteriormente, se reflejan en la obra "Marat asesinado" de Jacques-Louis David. Desarrolla tu respuesta.

3- Realiza una lista sobre las principales características del Romanticismo.

4- ¿Por qué varios artistas románticos están interesados en pintar paisajes?

5- ¿Qué diferencias hay entre  el Neoclasicismo y el Romanticismo? Lee con atención el material así puedes comparar qué diferencias tienen dichos movimintos artísticos.

6- Establece que aspectos del romanticismo se reflejan en la obra "El caminante frente al mar" de Caspar D. Friedrich (utiliza el material PDF enviado por correo).

Ver artículo "Sobre la muerte de Marat"

La modernidad: orígenes de la arquitectura y el diseño moderno

La segunda mitad del siglo XIX recogió los frutos  de la revolución industrial: se desarrolló una nueva arquitectura  basada en el hierro y el cristal que nada tenían que ver con la piedra y el ladrillo tradicional. . Se darán grandes edificios de exposición, puentes, estaciones de ferrocarril, etc. Aparecen diferentes lenguajes del modernismo, en un intento claro de alejarse de todos los estilos arquitectónicos heredados del pasado. el paso siguiente, en las tres décadas del siglo XX, consistió en geometrizar las formas eliminando todo tipo de decoración. 

Nuevos materiales, nuevas formas

El incremento de la producción de hierro y acero permitió su abaratamiento y su uso  en la construcción. Las ventajas estructurales eran evidentes: más resistente que la madera y  más duradero, el hierro permitía concebir enormes estructuras, impensable con los materiales tradicionales. A ello se añadió el hormigón armado, cuyo empleo empezó a ser frecuente a principio del siglo XX.

Así se dará un nuevo tipo de edificaciones: estaciones de ferrocarril (cubiertas por estructuras de hierro), puentes, salas de exposición, etc. Al principio fue frecuente  el intento de ropaje arquitectónico de tipo tradicional  (columnas clásicas, grecas u otros elementos). Pero, luego algunas construcciones decidieron exhibir sus formas industriales, así nacerá la arquitectura moderna.

Factores que contribuyen a su aparición

- La nueva burguesía enriquecida y refinada, desea un arte más elegante y mejor que el de los arquitectos historicistas o el de los ingenieros del hierro.

- Se propugna el uso de una fantasía libre y creadora, del subjetivismo y la defensa del placer que proporcionan las artes. Individualismo y fantasía creadora.

- Se propugna la decoración como un intento de crear un arte bello y amable, reivindica lo subjetivo y lo melancólico. También busca lo exótico, refinado y rebuscado. Es, en definitiva, el mundo de lo inquieto, sensual y vibrante, tal vez un neorromanticismo.

- Las ideas de Morris y Ruskin que defienden la integración de las diversas artes y la vuelta a los métodos artesanales.

- Su antecedente inmediato es el movimiento inglés "Arts and Crafts” (Artes y Oficios), que propugnó la confección, mediante métodos artesanales, de objetos decorativos y de uso común cuidando la calidad estética de los diseños empleados en su ejecución. Su máximo representante es William Morris: creó una fábrica de objetos de decoración, propugnando una vuelta a las viviendas humildes, nacidas de un núcleo y recrecida con el tiempo por sucesivos añadidos que le dan un verdadero carácter orgánico.

El modernismo pretende, hacer un arte nuevo, sin ninguna relación con las formas artísticas de la antigüedad, aunque normalmente está impregnado de recuerdos históricos; de hecho sus antecedentes están en el medievalismo (neogótico), significando una vuelta atrás y una regeneración del hombre mediante el trabajo manual frente al trabajo mecánico. Por otra parte, desea aprovechar las ventajas de la moderna técnica pero reaccionando contra la vulgaridad y fealdad de los productos manufacturados (arquitectura del hierro). Existe un deseo integrador de todas las artes: trata de abolir la tradicional separación entre las llamadas "artes mayores" (arquitectura, escultura y pintura) y las "artes menores" o aplicadas. Todas deben unirse para configurar un edificio, creando ambientes. Se emplean los nuevos materiales aportados por la industria, el vidrio y el hierro, junto con otros que dan cromatismo a los edificios (azulejos, ladrillos vidriados, esgrafiados, etc.). La decoración ocupa un primer plano, ya que trata de fundir vida y arte. Así, la decoración es la base de la obra arquitectónica : decoración que se caracteriza por imitar a la naturaleza de una forma más o menos abstracta, con líneas curvas, sinuosas y onduladas. Motivos decorativos de la flora y fauna: tallos florales estilizados y serpenteantes, capullos, árboles, pavos reales, mariposas, pulpos, libélulas, golpes de látigos, arabescos, etc.; utilizan temas no de forma tradicional, sino intentando crear un nuevo lenguaje decorativo. El Modernismo se convierte, así, en el arte de la burguesía urbana y cosmopolita, lejos del alcance de la mayor parte de las clases populares. El edificio es concebido como si fuera un ser vivo: las superficies sinuosas, la asimetría en la distribución de las ventanas y puertas, la decoración, todo contribuye a producir la sensación de movimiento.

El modernismo anticipó algunas de las soluciones arquitectónicas del siglo XX: deseo de que los elementos estructurales (columnas, vigas, pilares...) queden a la vista y funcionen como partes esenciales del sistema decorativo; el modelado plástico y sinuoso de las superficies murales, siendo el edificio concebido como un ser vivo que crece, y no como algo estático.

Pero, debemos distinguir dos escuelas distintas dentro de este movimiento:

a) Modernismo Ondulante: España, Bélgica y Francia, donde predomina lo movido, lo sinuoso y lo ondulante

b) Modernismo Geométrico: Gran Bretaña (Mackintosh) y Austria (Wagner, Olbrich y Hoffman); aquí predominan las líneas rectas y los volúmenes simplificados.

Algunos ejemplos para analizar
Adolf Loos

Adolf Loos construyó en 1910 la Casa Steiner, una de las más radicalmente desornamentadas de todas sus obras vienesas. No tiene cornisa ni tampoco hay marcos en las puertas o ventanas. La terraza es plana , y los muros, revocados, están pintados de blanco. La fachada, sin embargo, es rigurosamente simétrica: esta casa aún no tiene la planta libre o los grandes vanos apaisados que caracterizaron al movimiento moderno propiamente dicho; aún así es uno de los exponentes más claros del protorracionalismo surgido de un modo natural en la Viena de principios de siglo, dominada por la estética de la Secessión.

En 1908 publica “Ornamento y Delito” en el que cuestiona duramente los excesos decorativos de la arquitectura coetánea, impropios del hombre moderno que habría de marcar la sociedad. Precursor del racionalismo arquitectónico, defendiendo una Arquitectura libre de todo ornamento, rompiendo con cualquier tipo de influencia historicista.

Introduce un nuevo concepto en sus obras, el “Raumplan”, el cual se adjudica una importancia diferente a cada una de las estancias, a cada uno de los espacios que conforman la edificación. Un dormitorio no ha de tener la misma importancia que una sala de estar; dependiendo de la importancia y cualidad representativa de los diferentes espacios, su tamaño y altura habría de variar en consonancia. A lo largo de un eje imaginario, las diferentes estancias van rodeándolo como si trazasen una espiral, convirtiendo la sala de estar en un inmenso y espectacular espacio en el que se desarrollaran las actividades sociales, por el contrario los dormitorios pertenecen a la parte privada de la vivienda y no necesitan de los techos altos.

El envolvente exterior es duro hasta el exceso, libre de cualquier tipo de ornamentación y donde destaca la metálica cubierta curva en su frente de acceso. El exterior desnudo, conformado por muros lisos sin ningún tipo de adornos y rechazando muros de vidrio exhibicionistas del interior que ha de ser íntimo y privado.

Las dos alzados principales de la casa, acceso y posterior al jardín, son ejemplos de un radical racionalismo, blancos, puros y claramente simétricos, que rápidamente son asimilados dentro del purismo formal que marcará la década de los años 20.

La Casa Steiner se convierte en lo que sería el mayor ejemplo hasta el momento de Arquitectura Moderna, una referencia obligada para los Arquitectos de los años 20 y 30 del siglo XX y que consolidó la figura de Loos como un Arquitecto audaz y moderno más allá de la comunidad vienesa.

El interior de la Casa Steiner conlleva los conceptos descritos por Loos en su Raumplan. Los espacios en los que se desarrolla una actividad social mayor poseen una superficie y altura de techos superior a las estancias contiguas de dimensiones menores. Los diferentes ambientes se van encajando conformando una economía espacial, en las que cada ambiente ha de tener las dimensiones justas para satisfacer su específica función. Un preciso ensamblaje de volúmenes que refleja la estricta racionalidad espacial que quería desarrollar Adolf Loos.

Frank Lloyd Wright

Chicago había sido a fines del siglo XIX un centro renovador de la arquitectura y es aquí donde emergió F. Lloyd Wright,  uno de los arquitectos capitales de la modernidad. Según sus propias declaraciones tendrá la influencia de los juegos infantiles de los bloques de madera de Frobanius. También se sintió fascinado por la horizontalidad y continuidad de las viviendas tradicionales japonesas. Partiendo de esa premisa elaboró una doctrina para las "casas de la pradera" del Medio Oeste norteamericano. Combina una sutil riqueza de diseño, utilización sincera de los materiales y un fuerte acento horizontal. 

La Casa de la Cascada, la obra residencial por excelencia del siglo XX, es el efectismo máximo en obra de arquitectura, de gran belleza, que debido al impacto buscado por Wright nos deslumbra. El trinomio paisaje, agua y arquitectura evoca necesariamente a la Casa de la Cascada, la casa que Frank Lloyd Wright diseñara para el comerciante y filántropo Edgar J. Kaufmann en 1935, en Pennsylvania, Estados Unidos. Pretende armonizarse con su entorno natural proponiendo una sucesión de volúmenes que dan la impresión de suspenderse sobre el agua.

La Casa de la Cascada sigue los principios de la "Arquitectura orgánica" enfatizados por el autor en su escuela y estudio Taliesin. Básicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y el ser humano o cliente.

La gran obra plástica de Wright, es una escultura más que arquitectura en si misma gracias entre otras cosas a sus voladizos, que maravillan en el lugar y en las fotografías pero que son más efectistas que estructurales.

Las inspiraciones de Wright se relacionan con la búsqueda de formas de la naturaleza, persiguiendo una visión humanizada de los espacios y desligándose de la abstracción total aunque sigue guardando cierta relación con lo racional; Wright, discípulo de los grandes arquitectos de la Escuela de Chicago, como Louis Sullivan o Henry H. Richardson, tuvo influencia de los grupos de vanguardia europeos. Pero, se trata de una influencia entendida en términos formales, compositivos y espaciales, sin asumir el contenido ideológico. La modernidad de su lenguaje arquitectónico procedía de una suma de metáforas y símbolos, en los que la historia y la naturaleza constituían los argumentos decisivos de su idea del proyecto y de arquitectura.

Wright dispuso el edificio de tal modo que los distintos pisos se adoptan admirablemente a los desniveles del terreno: de hecho, una de las alas sobrevuela el riachuelo, ofreciendo una  vista excelente del paisaje circundante. Todo parece estar en armonía con la naturaleza: los estratos de las rocas se corresponden visualmente con lo construido.

También el interior se destaca la madera y piedra. Wright resolvió el diseño de la casa alrededor de la chimenea, el corazón de la casa, la que se consideró como el lugar de reunión de la familia. Los cimientos de la casa son las rocas del lugar, y algunas de ellas sobrepasan el ancho forjado de la primera planta asomándose junto a la chimenea, lo que trae físicamente la cascada al interior de la casa. Además se refuerza el concepto de un núcleo vertical a través de una extensión del alza de la chimenea, que la hace el punto más alto del exterior de la casa.

Responde las siguientes consignas:

1- ¿Cuáles son los nuevos materiales arquitectónicos que surgen en la segunda mitad del siglo XIX? ¿En qué favorecen a la construcción?
2- ¿En qué se basa la idea de concebir el edificio como un ser vivo? Explica.
3- Adolf Loos critica claramente el ornamento ¿cómo se refleja esto en la Casa Steiner? 
4- Realiza una lista con las características exteriores e interiores de la Casa Steiner.
5- Explica que es la "Arquitectura Orgánica" propuesta por  Frank Lloyd Wright.
6- Realiza una lista con las características exteriores e interiores de la Casa de la Cascada de  Frank Lloyd Wright. 
7- ¿Qué características de la modernidad crees que se reflejan es estos edificios?


Imágenes de: http://www.quadraturaarquitectos.com, www.plataformaarquitectura.cl

Texto realizado gracias al aporte de las páginas mencionadas anteriormente e:
"Historia del Arte" 2 (Bachillerato) AA.VV. Ed. SM.