La escultura del Renacimiento al Manierismo

"La escultura renacentista muestra el absoluto dominio del hombre sobre la naturaleza. A través del volumen se expresa perfectamente la influencia de las teorías humanistas, y tanto el relieve como la escultura de busto redondo sirven para exaltar la anatomía humana y la presencia del hombre en la nueva sociedad. Las esculturas funerarias o os cumplen  este papel con ejemplos muy significativos". 
Ya se ha mencionado (características generales del arte renacentista) que el siglo XV, se lo identifica como siglo en formación, donde los grandes maestros estaban inspirados en el abundante pasado clásico italiano. En el caso de la escultura, tiene su punto de esplendor en la obra de Miguel Ángel. "Su obra, que experimenta una rica evolución hacia formas de expresión intensa, representa el punto más elevado de la escultura de todos los tiempos. Su visión tan personal y llena de matices pone las bases de la lectura libre de la escultura manierista y prepara las novedades del barroco."
Las esculturas sirvió para distinguir la propia condición humana y refleja la grandeza del hombre dentro de la nueva sociedad . Para alcanzar la perfección se desarrolló el estudio de las proporciones y del canon clásico. Para eso era necesario reflexionar  y plasmar el desnudo, de acuerdo con la idea de la perfección del hombre dentro de la Creación; así se obtenía una sensación de realidad incorporando los conceptos de ritmo y movimiento.
Cientos son la obras que podríamos analizar desde entre la gran producción que generó el Renacimiento, pero, solamente a modo de ejemplo, mencionaré tres de ellas, que dentro de los estudios de la historia del arte son reconocidos como típicos modelos del esplendor renacentista:

"La Piedad" de Miguel Ángel Buonarroti. 1498-1499
Encargada por el cardenal Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas, la "Pietà" representa uno de los contenidos más dolorosos en el conjunto de los episodios de la Pasiín de Cristo. La soledad de la madre ante la muerte cruel de su Hijo se manifiesta de acuerdo con el estado espiritual y con la propia evolución formal del mismo escultor.
Ubicación: Basílica de San Pedro del Vaticano (Roma)
Técnica: Mármol de Carrara.
Dimensiones: 174 por 195 cm
Miguel Ángel eligió él mismo el bloque de mármol que iba a usar de las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana. El bloque tenía que ser el correcto, ya que la escultura está realizada con uno sólo, no varios unidos.
La técnica es uno de los aspectos más llamativas es la obra. Según el autor, la propia Naturaleza de la escultura estaba en el interior del bloque de piedra. El artista únicamente la sacaba a la luz, con paciencia y detallismo.
Algo que caracteriza al arte renacentista y a Miguel Ángel es la armonía. Así, por ejemplo hay un contraste armonioso entre el brazo caído de Jesús y el brazo derecho de la Virgen. Otro rasgo armonioso es la diferencia entre el tratamiento de claroscuros de pliegues del vestido con la piel de Jesús, lisa. El último contraste son los ejes vertical y horizontal de las dos figuras.
Virgen: El rostro de la Virgen es el de una niña, joven y pura. Miguel Ángel es consciente que la diferencia de edad entre el Cristo muerto y su madre es demasiado evidente. Lo que se pretende hacer no es un retrato realista, sino idealizar la figura de la Virgen llena de pureza y juventud.
Sfumatto: fue una técnica escultórica muy usada en el Renacimiento, en este caso lo vemos en la forma de representar los músculos, que están como difuminados en la superficie marmólea.
Ausencia de Dolor: Miguel Ángel nos presenta un cuerpo muerto sin rasgos de sangre ni dolor. Después del Calvario, nos lo muestra con la dignidad del hijo de Dios. Por eso, se retoma la idea del retrato idealizado, no se pretende un retrato realista del dolor.
Composición: En el Renacimiento, el arte estaba supeditado en gran medida a las formas geométricas, como esenciales y puras. Aquí, la composición se engloba en un triángulo desde la cabeza de la Virgen hasta la base más ancha del conjunto. No hay que olvidar la relación entre el triángulo y la divinidad.
Miguel Ángel realizó esta escultura con 24 años. De ahí que los críticos fueran suspicaces a la hora de su autoria  Miguel Ángel, con gran carácter, discutió con ellos y grabó con el cincel su nombre en la cinta que porta la Virgen. Por ello, la Piedad es la única escultura firmada por el artista.



"David" de Miguel Ángel (1501-1504)
Originalmente fue encargada por el cabildo de Florencia, pero luego fue comprada por la cooperativa de mercaderes de la lana de Florencia.
Actualmente se encuentra ubicada en la Galería de la Academia (Florencia)
Pertenece al período del Renacimiento denominado Cinquecento.
Esculpida en mármol e Carrara, iniciada en 1501 y concluida en 1506, con una dimensiones de 4.34 metros de altura (pedestal incluido).
Estado de conservación: Hasta 1947 estuvo en la Plaza de la Señoría, pero dado que se erosionaba mucho se trasladó a la galería mencionada. En la plaza hay una copia.

Análisis de la obra, desde lo formal al significado:
¿Qué se representa?: Miguel Ángel representa al rey David, a la espera del gigante Goliat. Se encuentra en reposo, concentrado. La mitología cuenta que David fue un pastor que se enfrentó al gran Goliat con una honda únicamente. Le lanzó una piedra a la cabeza y después de que cayera, le decapitó con su espada. Al vencerlo, fue proclamado rey del pueblo de Israel.
En su mano izquierda, apoyado sobre su hombro, lleva una honda. Es la representación del momento de calma, de concentración, antes de la lucha. Si la honda en su hombro representa el momento de concentración, en la mano derecha podemos cómo lleva una piedra, que simboliza el momento de espera de Goliat, preparándose para la batalla inminente.
La importancia de la mirada: Miguel Ángel elige el momento anterior a la batalla no de forma casual. Se trata de buscar un ideal, el de la belleza masculina y el de un momento heroico. El héroe, desnudo como una escultura clásica, espera el momento justo, de forma contemplativa. Es un momento contenido, de espera, concentrado. 
Terribilitá: La espera, la concentración, la postura y la musculatura en tensión nos conducen al concepto de Terribilitá. Quizás característico del mal genio del autor, sus esculturas tienen como peculiaridad la gran fuerza expresiva interior, la energía, la mirada desafiante. El gran mundo interior de las figuras, con una carga emocional asombrosa en un bloque de mármol. Son todas sus esculturas personajes feroces, intimidadores, que no te dejan indiferente.
Contrapposto: El contrapposto es un término que se puede ver desde las esculturas de la Antigüedad. Se trata de buscar la armonía de las partes del cuerpo. Por ejemplo, mientras la pierna izquierda del David se flexiona, por contra el brazo derecho se deja recto. Y así sucede con la pierna derecha, recta, con el brazo izquierdo, flexionado. Es una especie de equilibrio, para dar movimiento y para romper la frontalidad de las esculturas.
Proporción: El David de Miguel Ángel es una escultura de musculatura muy marcada, con una proporción casi perfecta. La cabeza es 1/8 partes del tamaño total del cuerpo mientras que la mano es extremadamente grande. Así, remarca los elementos más importantes de la escultura, la mano para marcar la acción y la cabeza para subrayar la mirada, la concentración.República: El David se convirtió en un símbolo de la República, como un digno defensor de la misma, al igual que el David de la leyenda bíblica con su pueblo.
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"El rapto de la sabina" de Jean de Boulogne 
[Juan de Bolonia] (1582)

Jean de Boulonge, más conocido en el mundo hispano como Juan de Bolonia representa los principios del manierismo empleando en su escultura un esquema que ya había utilizado Miguel Ángel: la línea serpentinata, esto es una composición en S, con gran movimiento, muy vertical. La presente obra está ubicada en la Loggia dei Lanzi (Plaza de la Señoría, Florencia, Italia)
Técnica: Mármol de dimensiones: 4.10 m de altura (incluído pedestal).
Los personajes representados:
Vencido: La figura del vencido aparece a los pies. Es el padre de la sabina, que no puede hacer nada para impedir su secuestro.
Romano: Un romano victorioso rapta a la sabina, en una escena cargada de dramatismo y movimiento.  La figura del romano es que da más dinamismo, ya que la línea de los cuerpos forma una S en el conjunto.  El personaje central está en una postura extraña, forzado.
Sabina: La sabina, de rostro compungido por la situación, intenta liberarse de su captor y horrorizada se escurre entre sus brazos. Como si de una llamada de socorro se tratase, su brazo izquierdo se levanta hacia el cielo, ejerciendo una fuerza centrífuga en la escultura. 
La Serpentinata: propio del manieristo e iniciado por Miguel Ángel, es una de las grandes características de ésta obra, así como el logro de las vueltas. Para ver el conjunto hay que darle vueltas, no es algo estático, sino que tiene varias visiones para configurar la imagen general.Típico del Manierismo es una corriente de figuras alargadas, espacios pequeños, dramatismo. Las leyes clásicas se conocen a la perfección y por eso se saltan.
Si el mármol es uno de los materiales más duros que hay para esculpir, la dificultad se acentúa cuando se sabe que Juan de Bolonia usó un único bloque de cuatro metros de altura de mármol para realizar la escultura. No hubo añadidos, trabajando al igual que hacia Miguel Ángel, sustrayendo la escultura del bloque.
Historia-Mitología: Cuando Rómulo fundó Roma, quería que los pueblos se unieron a su gran ciudad. Para instar a los sabinos, pueblo muy poderoso de la región, a unirse, raptaron a todas sus hijas para que se casaran y se quedaran en Roma. El momento elegido para el grupo escultórico es el rapto de una de las jóvenes, mientras su padre no puede hacer nada y mira horrorizado, tapándose la cara.
Datos realizado gracias al aporte de: "Historia del Arte", Manuel Arias y AA.VV. Ediciones SM, Madrid. 2003. Imágenes obtenidas de Internet.

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