Propuesta para alumnos de IAM

El lenguaje visual en el contexto de la Historia del  Arte Contemporánea     

Fundamentación: 
Estética y Arte Contemporáneo 

Durante los siglos XVIII y XIX la estética permaneció dominada por el concepto del arte como imitación de la naturaleza. Novelistas como los británicos Jane Austen y Charles Dickens, y dramaturgos como Carlo Goldoni y Alexandre Dumas, presentaban relatos realistas sobre la vida de la clase media. Los pintores neoclásicos (como Jean Auguste Dominique Ingres), románticos (como Eugène Delacroix) o realistas (como Gustave Courbet) representaban sus temas extremando el cuidado en el detalle natural. En la estética tradicional se asumía también con frecuencia que las obras de arte son tan útiles como  bellas: podían conmemorar eventos históricos o estimular la moral. La música podía inspirar piedad o patriotismo. El teatro, por la influencia de Dumas y el noruego Henrik Johan Ibsen, podía servir para criticar a la sociedad y, de ese modo, ser útil para reformarla. En el siglo XIX, nuevos conceptos sobre la estética empezaron a cuestionar los enfoques. El cambio fue muy evidente en la pintura. Los impresionistas, como Monet, eran denunciados por los pintores academicistas por representar lo que ellos pensaban deberían ver, bastante más de lo que realmente veían, como eran las superficies de muchos colores y formas oscilantes causadas por el juego distorsionante de luces y sombras cuando el sol se mueve. A finales del siglo XIX, los postimpresionistas como Cézanne, Gauguin y Vincent van Gogh estuvieron más interesados en la estructura pictórica y en expresar su propia psique, que en representar objetos del mundo de la naturaleza. A principios del siglo XX, este interés estructural fue desarrollado por los pintores cubistas como Picasso, mientras que la inquietud expresionista se reflejaba en la obra de Matisse y los fauvistas (o artistas fieras), o en expresionistas alemanes como Kirchner. En literatura las obras del sueco August Strindberg y del alemán Frank Wedekind demuestran este nuevo interés. Así, cobra cada vez más importancia el concepto del "arte por el arte", derivado de las tesis de Kant según las cuales el arte tenía su propia razón de ser. La frase fue acuñada en 1818 por el filósofo francés Victor Cousin; a su doctrina se adhirieron el crítico Walter Horatio Pater y el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler y los poetas simbolistas como Charles Baudelaire. Así, el principio del arte por el arte, pasó a ser esencial en la mayor parte de las vanguardias occidentales del siglo XX, suponiendo una reacción contra el concepto tradicional de belleza. Algunos teóricos (Hal Foster) llegan incluso a describir el arte moderno como "antiestético". La aparición de la fotografía o los medios mecánicos de reproducción de las obras (bienes de consumo en nuestra sociedad) suponen a fines del siglo XIX y principios del siglo XX una verdadera convulsión para la teoría y la práctica artísticas. Más conmovedor aún, representó la invención del Cine, donde el propio campo de trabajo del arte se orienta hacia profundas corrientes autorreflexiva que han marcado el arte del siglo veinte con las frecuentes preguntas' ¿qué es el arte?', '¿Quién define qué es arte?': el dadá utilizaba el collage para mostrar su naturaleza fragmentada; Joseph Beuys (y la corriente povera europea) usaba materiales como troncos, huesos y palos, elementos que son para muchos "feos"; los minimalistas utilizarían acero para resaltar lo industrial del arte, mientras Andy Warhol lo intentaría mediante la serigrafía. Algunos incluso eliminaran la obra final para centrarse únicamente en el proceso en sí. El arte contemporáneo no busca principalmente la belleza serena o pintoresca, sino también lo repulsivo o melancólico, y provocar ansiedad u otras sensaciones. Para otros, lo importante no es lo que siente el autor, sino lo que este hace sentir al receptor de su obra. También el hombre, como medida de las cosas y lo figurativo dejan de ser el centro de la representación y la difusión del arte abstracto será una de las características del arte contemporáneo.
La evolución de la estética contemporánea a dejado en claro que el arte es auto-reflexivo, se piensa a sí mismo y que mejor que sean los propios protagonistas lo que formulen sus dudas, cuestiones y posibles respuestas. Aquellos que son productores de arte no pueden omitir la ejercitación de la reflexión ante cuestiones que hacen al análisis formal y su significado en el arte

Ejes temáticos a trabajar

1- ¿Qué es el Arte?: -Naturaleza del Arte -Valor y rol del artista -Gusto y valor artístico - El arte y la Historia - Estilos y lenguajes. 

2- La imagen como construcción: -Sistema de representación visual - "la retórica visual" (María Acaso) - Realidad / Percepción / Ficción.

3- Espacio y perspectiva: -Estructura, forma y significado (la composición).

4- Principales tendencias artísticas de la segunda mitad del siglo XX: - Expresionismo abstracto, informalismo, arte matérico - Abstracción pospictórica - Minimal - Pop Art - Arte Povera, Land Art - Arte conceptual - Happenings, Fluxus - Performance, Body Art...

5- Cultura visual de masas del siglo XX, especialmente fotografía y cine.

6- Modernidad y Posmodernidad (¿o Modernidad tardía?)  

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